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Music

Music exists in a subjective form, more abstract than any other forms of art. It is impossible to establish an absolute standard in its esthetic judgment. The same music can be received very differently by the same listener under specific mental and environmental conditions, which applies to program music, and even more so, to contemporary music. The composer writes down what he or she thinks will depict the subject (emotion, image, scenery, event etc.) under a given situation. At a different time or place, in a certain mood or condition, the performer will translate the abstract symbols of the notes into actual sound as what he or she thinks is the right interpretation of the music. In turn will the abstract sound be perceived by the listener using his or her own God-sent sensation and emotion circumscribed by the definite situation he or she is subject to.
Music comes to life the moment it is received rather than it is created, the value of its existence imbedded in the form as a medium. Any specific literal interpretation of it will be taken as arbitrary not without dilemma. Music, after all, belongs to the realm where “I think, therefore I am.”

音乐

音乐是一种主观(subjective) 的存在形式,它比其他的艺术形式更抽象,绝对没有一加一等于二的标准。同一个作品在不同心境与环境下都会有不同的感受,包括标题音乐,现代音乐更是如此。作曲家在特定的环境下用他(她)的感观把自认为要表现的主题(情感,形象,画面,现象等等)写在乐谱上,在彼时他地,演奏者又要用他(她)的此时此地的感觉来把乐谱上的音符变为声音;而听者又要在他(她)的特定环境下用自己的心态来解读这些抽象的声音…….。音乐的存在不只是在它产生的一瞬间,而更存在于它被感受的那一瞬间,它存在的价值更在于它作为传递感观的媒体。任何对音乐形象的具体解释都有“胡批三国”之疑,但又为尚不可?音乐毕竟属于“我思故我在”的领域里。

忧心

多年前我去听了一位我崇拜的国际级作曲大师的音乐会,在聆听了他的颇为前卫的大师之作后还荣幸的被邀请和他喝咖啡,席间他问我:我今天的作品是不是太容易接受了?(Was my music today too accessible?) 我稍有不解的回答:不是,不过为什么不呢?(No, but why not?),他沉思了一下,并默默会意的点了点头。这段简短的对话过后让我想了许多:现代音乐与普通听众之间存在的鸿沟已无可否认,而新音乐的谩无止境的标新立异更是在无形的把这鸿沟的距离逐渐加大。有个性的作曲家在追求自己的境界的同时也难免与普通听众的接受力形成距离,但这种距离应是一种无奈,还是一种刻意的追求呢?试比在西方的莫扎特时期的作曲家的处境,那时的音乐在宫廷里,音乐厅里,沙龙里,酒馆里和大街上所听到的从音乐的语汇和风格上应该基本上是大同小异,只是音乐的质量有别。而出自天才作曲家最具创新的作品在君主,贵族和普通平民的耳朵里也还是同样的悦耳可听,作曲家可以做到在追求最有境界的作品和得到大多数听众欣赏之间一箭双雕。当今就大不一样了,且不谈其他种类音乐,就古典音乐本身就分有多少学派,以及其归属的音乐的语汇和技法,被学术圈青睐的作品可能在普通听众耳朵里简直就是是天外来音,能得到普通听众欣赏的作品在学术界的眼里更是不屑一顾。而在这漫无止境的标新立异的竞争中,作曲者还要在学术界和普通听众的夹缝中求生存,迎合学术圈子首肯与能获得普通听众的接受几乎无法共存,这难道不是我们现今的作曲者的囧境吗?我相信大多数艺术创造者都有自己的作品被欣赏或最起码被接受的愿望,作曲家也不例外,因为音乐毕竟还是给人听的。那么当务之急,作为现今的作曲者,我们的职责除了设法用自己的创作来提高听众对当代音乐的接受力和欣赏趣味的同时,是否也应该放下身段,在试图让作品充满新意的同时也把能缩小这鸿沟作为一种新的创意呢?也可能我的忧虑是“杞人忧天”,不过众所周知早在上世纪末已经有一些国际大师级的人物也开始转向让作品的语汇更易为接受,甚至一些颇有级别的作曲比赛也开始把“可听性”纳入了考量,这难道不也是一种反思吗?

我们敬重那些为音乐的发展不畏曲高和寡的孤独去实验的开拓者,也感激那些冒着票房价值危险推广新作品的演奏家、指挥家和乐团。饮水思源,也忧心忡忡,只愿古典音乐能源远流长。

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杨智华 春末于旧金山湾区

血浓于水也

身在国外,近来有机会听了一些国内非常优秀的新作品,大开眼界。但其中也有一些少数涵中国主题的“现代”乐队作品让人难以恭维,它们好像都有一种比较类似的模式 :作者好像要在呈现作品的中国特色前要刻意标榜一下他对现代技法的精通,作品的开始会有一个引子,而这个引子好像是向听众严正的声明“我是当代作曲家!” – 你会听到先是几个和主题毫无关系的超不协和的现代和弦或音块儿,配上很新潮的配器技法和不规则节奏等等,总之一定要在最短的时间内把自己掌握的所有现代技法都施展一下。亮相完毕,言归正传,在突然转为非常传统的和声背景下,一道很中国味儿的旋律破门而出,像是另一部作品开始了。但作者绝对没忘记他是当代作曲家,那中国味儿的主题出现不久一定不会逃过作者的现代手法处理:先把它拦腰砍断经过远关系移调后再嫁接回来,再弄几个不搭调的变化音把它给扭曲了然后再弄几个键盘缝儿里的滑音,为了不失“原汁原味儿”,再加上点儿原生态打击乐…… ,一部当代中国风的交响作品就由此诞生了?或者也可以说一部像穿马褂打领带的洋泾浜作品被造出来了。是什么促成了这种为了现代而现代的作曲风呢?可能如果没有那十几,二十几小节的“敲门砖”,这些作品根本就过不了国内所谓学术界的门槛?中国民族因素和现代技法在这种“快餐”式的作品中就像掺在水中的水银,毫不相溶。这让人不由得联想到另一种本应是同类却是天壤之别的创作风:巴托克和柯达伊对民间素材的那种纵深的吃透,使之升华为己的语言,再像血液一样的注入到音乐中那种有机的融合……….,前者似掺“水”,后者似输“血”,血毕竟浓于水也。

杨智华2016年秋于加州

杨智华主讲西方十九世纪后音乐欣赏 

  • 2016年7月10日于旧金山湾区
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MTT, Yuja & LSO

I really enjoyed the two concerts by MTT, Yuja Wang and London Symphony the past two evenings. Yuja’s performance of Shostakovich piano concerto No.1 was truly phenomenal and breathtaking, both technically and musically, and the excitement among the audience filled every corner of Davies Hall. In the last movement, the rhythmic union between the soloists and the orchestra was as precise and clean as gear binding, at a tempo Shostakovich would have liked too. I was also impressed by the trumpet soloist (LSO’s principal), whose pianissimo was as silky and refined as rendered on an oboe. The most striking program came the second day with the performance of the Shostakovich’s Symphony No 5, which was definitely brought by MTT to a new height. The beautiful orchestral colors, the long breathing phrasing, the powerful tension created with the expanded dynamic and rhythmic contrasts, the mesmerizing slow passages played in such stifling quietness with tasty rubatos, that made me grow goose bumps. The finale brought the entire audience to its feet, not excluding me, who, in spite of a bad problem with the knees, had struggled up 4 times for the standing ovation. The best concerts in years!

听旧金山交响乐团马勒第九有感

 听马勒的第九交响乐,尤其是第四乐章,总是给人一种超脱的感觉,几天前去听旧金山交响乐团现场演奏的马勒第九,更让我有刻骨铭心灵魂出窍之感。该团的音乐总监Michael Tilson Thomas (MTT) 早就以诠释马勒交响乐享誉乐坛,他与旧金山交响乐团录制的全部马勒交响乐”Mahler Cycle”更是赢得多项格莱美奖,而这场音乐会证实了他名不虚传。

 这是马勒真正完成的最后一部交响乐,也正处于他生命中充满困境与不幸的尾声阶段,第九好像是他与死神玩的另一个不太默契的游戏,在作品的大起大落之中,不无踌躇彷徨之感。作品共四个乐章,各为1, Andante comodo, 2, In the tempo of a comfortable Ländler , 3, Rondo burleske, 4, Adante。第一和第四乐章以较慢的速度和极具软张力的气息遥相呼应;虽然中间两个乐章都有谐谑曲性格,但第二乐章是悠闲的舞曲,而第三乐章是在情感的急风暴雨中疾驶而过。整场音乐会四个乐章连续演奏,没有中场休息。将近九十分钟的音乐,MTT完全背谱指挥,这要求指挥的非凡记忆力和体力,( 我第一次在音乐会中见识了指挥在乐章之间拿起杯子喝水的景象 ),这也奠定了他对乐曲的深度的理解与掌控。当然,这对普通的观众来说,也是一种耐力的较量,但指挥处理作品的大块的整体感避免了篇幅昂长的作品时常会有的臃肿感,但丝毫没有用牺牲细节为代价。长气息的乐句与细小的律动之间的权衡发挥的恰到好处,音乐力度的对比极具戏剧性但不过分。在第三乐章开始后,观众完全被高潮迭起的音乐和乐队的演奏之精彩深深的感染和震撼。这种笼罩在剧场中的情绪的起落全然来自于台上每个演奏员在音乐上的绝对投入。这是我听到的旧金山交响乐团最精彩的演奏——音准近乎完美,各声部的音色随着乐曲的需要时而融和似水,时而大呈立体感;弦乐各声部在齐奏时简直就像一把乐器。精彩!

 但我最想说的还是第四乐章。在家里听芝加哥交响乐团的CD时,已领教过那种“销魂“的感受,但那天旧金山交响乐团的Adagio更是给我一种升华的境界。我想,这个乐章才是马勒第九的中心,也是为他写第十留下的悬念,音乐与情感的张力都已到了极限。主题在小提琴G弦的长音中单刀直入,继而一个八度向上滑进后开始了主题的动机核心,缠绕在中心音上的上倚音与下倚音好像要在盘根错节,纠缠不清的密集支体中为自己争夺一点空间。SF交响乐团的弦乐群的齐奏是那样充满韧性,我从没听到过这么厚重的弦乐群,刚柔之间,好像要从岩石中挤出泉水,而这种暗藏的张力在真个乐章之中保持经久不息。弦乐的每个声部都发挥的淋漓尽致,各显身手,如泣如诉。在演奏那些钎细而柔弱的句子时,各声部的音质是那么的干净而弱而不虚,好像每个音“捧在手里都怕化了”。指挥对那无声胜有声的休止的利用可谓是淋漓尽致,大有窒息之感,让剧场静的好像时间也凝固了。此时我的眼前不自知的被泪水模糊,想到马勒彼时彼刻的心境,爱女的离去,死亡的召唤……….。乐曲在轻的几乎听不到的长音的叹息中无奈的消逝,而迎来的却是观众雷鸣般的掌声。

 我从冥想中醒来,急不可待的加入了起立喝彩的行列,看到台上乐队中向我示意的好友,一种自豪之感油然而生。回家路上从未感觉过生命这么可贵,生活那么美好。

 杨智华 写于 旧金山湾区 2013年秋

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上海弦乐四重奏

早在多年前在美国的Tower Records唱片店买到一张Delos唱片公司出版的CD “Chinasong– Shanghai Quartet(中国民歌集 – 上海四重奏)”。小组成员:一提 – 李炜刚,二提 – 蒋逸文,中提 – 李宏刚,大提 – Nicholas Tzavaras。 CD的曲目是由该重奏组第二小提琴手蒋逸文编配的一组民歌,因本人是作曲专业,自然对曲目的改编部分倍感兴趣。当时第一感觉是,乐曲的改编与配器别致而有趣味,又不失原曲的气质。对重奏组的演奏的印象则是细腻而清新;合作默契而技术坚实。那还是我第一次听到这个重奏组的名字,而这张CD使我对这个年轻的重奏组肃然起敬,也为一个在中国诞生的音乐团体能真正进入了世界级音乐行列而欣慰。之后本人就开始对它更加关注,才发现这个早在83年在上海建立的重奏小组已被权威的《斯特拉德》杂志称之为具有“非凡的优雅和音乐特色的四人组合”他们赢得了世界最杰出的四重奏组之一的美誉。然而,事过多年后终于有幸在我居住的旧金山湾区欣赏到了他们的现场音乐会。

这次十月三日的音乐会由这里的San Jose Chamber Society主办,剧场是有百年历史的Le Petit Trianon。剧场不大,但其近似教堂的音响氛围对于室内乐却恰到好处;而只有338个座位的小型观众更给人一种室内乐所需要的亲近感。曲目是,前半场:周龙的“琴曲”,Penderecki 的 “第三四重奏”和蒋逸文的“中国民歌集”选段。后半场:舒伯特的“死神与少女”。音乐会开场前场内已坐满,大多是当地的室内乐常规观众,亚洲人还是占少数。在热烈的掌声中重奏组的成员步上舞台,气质高雅,风度翩翩。

“琴曲”的开场给听惯西方古典室内乐的耳朵带来像一缕清风般的惊喜,周龙在乐曲中巧妙的运用弦乐的特殊演奏技法和来模仿古琴的演奏效果。作品古朴别致,既有国乐的“原汁原味”又不失室内乐的气质。本人过去不乏在一些不很成熟中国现代作品中听到过那种用廉价的手法把古乐或民歌的素材扭曲和变形,作为标新立异的捷径来唬弄那些不懂中国音乐的西方人的。这种“哈哈镜”式的现代手法实属对中国音乐的一种阉割。那种被过分滥用的滑音,抹音让人感觉像做鬼脸,令人生厌。而在周龙的“琴歌”中,那些包括滑音,近码奏法,巴尔托克拨弦等特殊效果被自然的纳入了音乐的需要,而熟悉古琴的听众会在作品中听到那琴的优柔的吟唱,瑟瑟的扫弦和噼啪作响的弹拨声。现代的音乐语汇与国乐的素材在作品中得以有机的融合,又不失可听性,精彩!

Penderecki的“第三四重奏”是在2009年为纪念上海四重奏建立25周年和作曲家本人 75寿辰的委约作品。不愧是大师!作品无论在音乐的张力,和声的浓度,织体的繁复,结构的大气都不乏大度气派。当然,这和演奏者们无论在技术上还是在音乐的极有深度的詮释是分不开的,尤其是第一小提琴手李炜刚的坚实的领导作用。乐曲是单乐章,但有明显的分段,而主题长气息的展开和乐思的纠缠不清极具交响性和晚期浪漫派的气息,但风格上又完全认同于现代音乐。这使我再次试问:是不是在新古典主义之后,新浪漫主义已产生了?

蒋逸文的“中国民歌集”选段再次把观众带回室内乐应有的典雅,亲切的气氛中。作品由三首中国民歌组成三个乐章:“瑶族舞曲”,“牧歌”和“庆丰收”。编曲和配器非常弦乐化和四重奏化,而这种来自演奏者之一本人的“量身制作”怎能不让人羡慕!创作与诠释可谓磨合的天衣无缝,而达到的就是每个队员都有在音色,音区和技术上发挥淋漓尽致的机会。作品虽在风格上不像“琴曲”那么新奇,但它把民族音乐优美的旋律搭乘到被大多数人接受的世界音乐语汇中去了,作品与演奏都使在座的西方和国人美不胜收,乐哉!

下半场舒伯特的“死神与少女”是本人最心爱的四重奏之一,作品朦胧的和声色彩和独特的风格使她在弦乐四重奏作品中独具一帜。第一次听到她还是在文革时期插队时在被窝里用半导体偷听“敌台”时,在当时的环境下,只觉得灵魂被这充满人性的凄美升华了,从此这部作品就成为我个人的最亲昵的四重奏。而那天上海四重奏的演奏更是我听到的最难忘的。“死神与少女”取自作曲家同名的声乐套曲,分四乐章。第一乐章是典型的奏鸣曲式,第一第二主题在调性和音乐形象上都有明显的戏剧对比:黑暗与明净;死神与少女。第二乐章近乎葬礼进行曲的主题来自声乐套曲的钢琴序奏部分,接下来是一组变奏,每一组变奏有不同的形像,但委婉动听 。第三乐章Scherzo的沉重的切分音型及小调的色彩与Trio的明亮的色彩交相呼应,在速度上也为下乐章的急速而铺垫。第四乐章Presto是塔兰泰拉舞曲的形式,基本上是死亡之舞,急速而无休止的节奏把乐曲推向高潮而结束全曲。此曲在音乐形象,音色变化,声部的平衡及音乐气息的掌控都需要相当的城府,而上海四重奏的演奏把音乐推向了一个高层次,并在音色的统一又具个性的前提下使整体的音色富有浓郁的厚度。我最欣赏的是他们的第四乐章,恰当的快速给人一种不容喘息近乎歇斯啼里的情绪,第一和第二提琴在抒情乐句的对话绕梁三尺,而第二提琴那含蓄又动人的倾诉更是让人消魂。

在全场起立的,经久不息的热烈掌声下,返场曲目是德沃夏克自己改编自他的钢琴曲“A大调圆舞曲”的四重奏小品,音乐会在室内乐应有的安详中结束。回家后兴奋不已,写下拙文略抒感慨与乐友分享。也献上我对上海弦乐四重奏的美好祝愿!

2010年十月三日凌晨于美国加州圣河西

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Shanghai Quartet at Hammer Theater

Last night’s Shanghai Quartet concert at Hammer Theater was such an unforgettable and moving experience! A concert sponsored by San Jose State University. It was a sold out concert. This was the second time they perform in San Jose (last time in 2010 at Trianon theater).

The first half of the program includes Haydn String Quartet in D Major, Op.20, No.4, a California premier of Tan Dun’ s 2018 revised version of his String Quartet No.1, Feng, Ya, Song and after the intermission, the String Quartet No1 in E Minor by Smetana. Their performance of Haydn was exquisite. Beautiful, elegant sound and seamless ensemble work, the musical dialogue between the players was so lively and spontaneous, which vividly showcased the essence of this jewel genre created by the very composer who wrote this music. The second movement was especially touching, they played each variation with such subtle distinction in articulations, in one of which they played the whole section non-vibrato with perfect intonation and balance that made the harmony luminous. The last movement presto was full of fire and energy and they finished it with solid technic and dramatic contrast. Tan Dun’s Feng Ya Song has been my favorite of the composer’s since I heard it first time in the 80’s, and Shanghai Quartet’s performance of this revised version reinforced my sentiment, the best performance I have heard of this music too. The dramatic effect of the first movement was truly stunning; I admire the composer’s mastery of organizing the ancient folk elements into a modern configuration. The Shanghai Quartet did such an excellent work presenting it, if I were the composer, I would have run up the stage and give each one of them a huge hug.

The String Quartet No.1 in E minor by Smetana after the intermission was not a familiar music for me, I have read that he wrote the quartet when he encountered deafness and this music is like a biography of his life, and that it was premiered in 1878 in Prague with Antonin Dvorak as the violinist, and that close to the end of the last movement, the sustained harmonic E on the first violin represents the ringing in his ears that presaged Smetana’s deafness. Again, the Shanghai Quartet’ performance of this music was fabulous, the opening viola solo by Honggang Li was expressive, I was especially delighted by the second movement’s Polka due to my accordion playing background, and their playing made me want to dance with it. The encore was Harvest Celebration, a transcription from a solo violin piece by the second violinist Yi-Wen Jiang who is also a composer, the audience reacted with a long lasting thundering applause.

I was so delighted to see my musician friends after the concert, the first violinist Weigang Li happens to be my old timer at SF Conservative in the 80s too. I have been a faithful follower ever since I attended their first Concert in San Jose in 2010; I truly believe that Shanghai Quartet is a world class and one of the best music ensembles in the world. My best wishes to them and my salute to the four great musicians: the first violinist Weigang Li, the second violinist Yi-Wen Jiang, the violist Honggang LI and the cellist Nicholas Tzavaras!

October 2019

 

克里福兰交响乐团

最近因旧金山交响乐团100年大寿,不少世界一流交响乐团纷纷来旧金山表演祝寿,我们自然也就沾光,大享这近水楼台之福。一路走来,大饱耳福,美不胜收。柏林,洛杉矶,中国爱乐,波士顿,芝加哥…… 其中柏林和芝加哥早已是我的钟爱。但前几天来访的克里福兰交响乐团让我更是叹为观止!早知道克里福兰是一流乐队,但没想到现场听这么好!特别是弦乐群,音色之典雅,音准之完美,以及和其他声部之间的溶合可以和任何一流的室内乐团媲美!真可谓绸缎般的音色。管乐群与弦乐群的“抱团儿”可以说是天衣无缝,即使是铜管的强奏,也像是用天鹅绒包了起来,大有“欧洲气质“。刚好是音乐总监Franz Welser-Most带领乐团的第十个年头,建树可观!

这次乐团来访共有两场音乐会,本人选择了有老肖第六的第一场。曲目是:上半场,Mendelssohn 苏格兰交响乐。下半场,SaariahoOrion和肖斯塔科维奇第六交响乐。苏格兰交响乐一开场就让人耳目一新,那种典雅又清新的风格非常欧洲味儿,声音温暖,纯厚,细腻的像室内乐团。可能和乐队的排列有一定关系(圆号组坐在二提后面,中提在大提的前面,木管被包在其中),弦乐与管乐的音色像云雾一般的溶在一起。小提的快速经过句的齐奏简直就像一把琴拉出的那么干净,齐整。指挥的手势清楚,简捷又充满音乐,上半场在典雅的气氛中结束。

本人早就对Saariaho有所仰慕。Orion不乏音响的新奇,作者试图用交响乐队的音团与音流创造一种电子音乐的效果,神秘而不可知。但有些乐段过于重复,略显臃长。在总谱上看到的一些细节在舞台上好像听不到。比如,有一段长气息的音流,弦乐群颇有难度的重复音型完全被管乐的浓厚的音团淹没了,这是不是配器上的一种浪费?这种情况在竖琴部分也有同感。当然,如果是录音的话就完全不一样了,那些细节就一定不会流失。

克里福兰的老肖第六是颗重型炸弹!我和全场观众完全被它震撼,折服了。这部交响乐不是典型的充满戏剧冲突的老肖风格,倒是有些罗悉尼,普罗可菲也夫古典交响乐的喜剧气质,当然,他后来的第九也是如此。老肖给了每样乐器充分发挥表现的机会,尤其是木管乐器。而乐团绝对没有浪费这些机会!每个声部都发挥的淋漓尽致,木管的独奏段落每样乐器都饶梁三尺。慢板乐章声音深沉又纯厚。而快板乐章中,所有的演奏者好像被咬在精细的齿轮上,甩都甩不开!强弱对比极具戏剧性但又不过分,各声部的平衡在最有难度的段落也没有失控,BravoWelser-Most! 第三乐章的冒火星的精彩更让我激动的无法老实的坐在椅子上;我好像看到指挥是个魔法师,用他的魔术般的动作在调拨音响的彩盘。音乐在急速的音型中邹然结束,全场观众同时起立并报以经久经久不息的掌声。

和本人同往的朋友有同学在乐队中,在去后台寒暄的途中,我有幸和乐队的一位小提琴手表达本人的敬意,她很谦虚的说:你们旧金山的观众的耳朵早被你们自己的交响乐团(旧金山交响乐团)宠坏了,你们的赞赏非常可贵。我也很有礼貌的对她说:我爱我们亲爱的旧金山交响乐团,我也爱你们!

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洛杉矶交响乐团

Posted on May 12, 2010
在期待和赞扬声中早在去年就听说委内瑞拉籍青年指挥家Gustavo Dudamel要接任洛杉矶交响乐团指挥,也曾在本地音乐台听到指挥委内瑞拉青年交响乐团的录音,的确不同凡响。昨天终于在旧金山Davies Hall亲眼目睹了他指挥LAP的风采。
 旧金山是他上任LA Phil后第一次在美国国内旅行演出系列的第一站,共两场,全部卖光。在音乐会开始之前就可以感觉到观众的热情和期待,指挥更是伴着欢呼声登上舞台,煞有明星登场之效应。昨天第一场的曲目和他去年十月在洛杉矶迪斯尼音乐厅就职首演的曲目一样:前半场,John Adams City Noir, 后半场,马勒  第一交响乐。在过去的几年内曾有机会听LA Phil的现场,印象不深。但这次在Dudamel指挥下,它让我耳目一新,另眼相看。马勒第一无疑是他的拿手好戏,(让他赢得2004Bamberg Symphony Gustav Mahler Conducting Competition第一名)这次更用他的充满生命力的诠释来证实他不负众望。可以说这是我听到的马勒第一最大胆的诠释,在力度的对比和节奏的韧性上,他已做到了极限,但不无道理。他的肢体动作的夸张毫不做作,也不浪费,好像是一种惟妙惟肖的音乐哑语。乐队的默契更是一呼百应,天衣无缝,而最后产生的效果就是一种让人销魂的投入。在充满田园气息的恬静中,音乐步入了马勒的心灵世界,那么恬静,在冥冥之中你可以听到自己的动脉在太阳穴中勃动。大自然是永恒的,生命是有限的,而死亡却也是永恒的。马勒在这三者之间徘徊,我们听到生命的凯旋的号角,但也不能摆脱死亡在黑暗中的召唤。Dudamel的诠释把光明与黑暗的反差拉到了极限,到了让人昏眩的地步。AdamsCity Noir 不是Adam最精彩的音乐,基本上是爵士和电影音乐的混合,全曲始终贯穿了急速而多变的Boogie Woogie节奏,前半段让人想到“新浪漫主义”的影子,后半部素材织体太雷同单一,所以略显臃长。乐队演奏此曲一定很累,也一定不好指挥。音乐会结束,全体观众无一不起立并爆以长时间的掌声和欢呼声,加演的曲目是the Intermezzo from Act III of Puccini’s “Manon Lescaut”, 那如火如荼的浪漫更是让人销魂,作为返场恰到好处。因本人有朋友在LAS和旧金山交响乐团,能在后台与Dudamel擦肩而过,他的矮小微胖的体型和微带稚气的面孔让我很难和台上的“高大”的形象相联系,可见音乐之魅力无穷!本人坚信在Dudamel这几年的带领下会在交响乐坛上大有作为。而这个略带明星效应的旅行演出也将大有席卷美国之势.
11月21日旧金山Berlin Philharmonic 音乐会,Davies 音乐厅车水马龙一片盛事景象,光停车就占了我半小时,幸好早就订票,不然门口只剩下三百块的票。柏林50年才来旧金山两次,我都去了,庆幸!曲目:
Wagner
Prelude to Act 1 of Die Meistersinger
Schoenberg
Chamber Symphony No. 1
Brahms
Symphony No. 2

Simon Rattle 整场背谱指挥,真是非凡的记忆力,尤其是Schoenberg Symphony No1,那些极细小的细节和Gestures,繁琐的Cues,繁复的多声部织体。他的指挥手势更像在雕塑,很有大块的感觉,更有把乐队抛出去再捡回来的架势。柏林的声音可用纯厚,宽广,温暖,绸缎一般来形容,弦乐群尤其如此。在演奏旋律和多声部织体时,各声部音色呈立体,但在演奏“柱式”的和声时,各声部的音色毫无断层的交融在一起,形成一种丰满的像管风琴一样的音响。我最钟爱的演奏员是第一双簧管,他的表现力和音色应是柏林的Landmark之一。前半场的曲目有点儿太重,那种晚期浪漫派的“捶胸顿足”的喧嚣让人情感上有些招架不住。Shoeberg的第一室内交响乐是他出道无调性之前之作,有非常新奇之处,但几乎是理查,斯特劳斯的延伸。我最欣赏的是下半场的Brahms第二,柏林最妙的一切呈现无遗,乐队与观众的投入已融为一体,过瘾! Posted in UncategorizedLeave a comment

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  • Charles Dutoit
  • Posted on December 7, 2009
  • 星期四在CupertinoFlint Center听了Charles Dutoit和旧金山交响乐团的音乐会,久久难忘。上半场是“牧神午后”和Stravinsky Symphony in C下半场是Rimsky-KorsakovScheherrazade“。全场座无虚席,往常旧金山交响乐团在Flint Center的演出质量显然不如在Davies Hall,但这次音乐会是我在Flint Center听到的最好的。
  • Charles Dutoit的指挥手势准确,充满音乐,极富表现力!他的“牧神午后”的手势(无指挥棒)几乎像向各弦乐群施发魔法,各声部随着他的手势的起伏时而高涨,时而下沉,极具煽动性。这使我联想到杜卡的小巫师。
  •  Stravinsky永远是我的钟爱,但头一次现场听Stravinsky Symphony in C, 是个精品, 但对大部分观众的反应来看,是个耐力的较量。指挥手势简练,清楚,煞有驾持一切的感觉。“Scheherrazade Dutoit背谱指挥,处理独到,好像听到有过去没能得到注意的细节。
  • 在旧金山交响乐团的朋友说,同事们很欣赏Charles Dutoit的指挥,并盼望再能合作,但他将去费城任总监,难得再来。本人没拉过乐队,但可以想象在他指挥的乐队里一定很享受。

感慨

Posted on December 7, 2009

  前些时在网上看到Van Cliburn国际钢琴比赛的转播,其中入决赛者有一位盲人。他是我最喜欢的选手之一,并不是因为他是盲人,是因为他演奏的精彩和感染力,当我看着他的手指从容的在琴键上飞驰和跳跃时,我不禁感慨万分。这些难度极大的作品对于一个身体健全的钢琴家都是极大的挑战,而这位盲人钢琴家的付出就可想而知了,更不用说在不能读谱的情况下要用非凡的记忆和毅力来背下每一个音符。我常常会去想像一位盲人的世界,他们失掉了最美好的感观—–视觉。世界在他(她)们的视觉里是黑暗的一团,而唯一能感受这世界的只是听觉,嗅觉和触觉,这对我们所谓健全的人是多么不可思义的呀!可是他(她)们在活着,在追求,在梦想,在奋斗,在享受着我们可望而不可即的成功。想到此自己还有什么理由再去怨天尤人呢!?

趣事一件

70年代末80年代初本人还在北京歌舞团,该团的交响乐队也就是现在北京交响乐团的前身,乐团最大的特点是团员大多是年轻人,充满活力,潜力无穷。那时李德伦,黄飞立先生为该乐团的成长付出不少心血,也经常带领乐团定期的演出,乐团也开始请一些外国著名指挥来训练乐队。作为一个学作曲的,我怎能放弃这个近水楼台,自然的成为排练厅的座上客。80年那年,黄飞立先生从美国请来了国际指挥大师齐佩尔Herbert  Zipper(李查,斯特劳斯的学生)为本团举办音乐会,在排练过程中有一次黄先生有事,就请正在学英语的我代劳为排练翻译,这个又能练口语又能学音乐的机会对于我简直就是天赐。排练前在团长办公室还有幸用我的半生英语与齐佩尔小侃了一会儿,余兴间大师让我教他一句最能震奋我们这帮年轻人的北京Slang,我寻思了一下就决定教他说:“盖了帽儿啦!”。在几次纠正发音后,大师能基本上能用微带北京腔的口音把它背了下来,为了不忘记还认真的把它记在本子上。那天排练大师非常满意,最后音符结束后他把指挥棒放在谱台上,然后大声对乐队喊了三次“盖了帽儿啦!”,第一次大家没弄明白,第二次都不敢相信,第三次过后全场沸腾,这帮年轻人差点儿把老都头儿给举了起来。听说此后大师在给天津乐团的排练又如法炮制,再次生效。但再后来给广州乐团排练后,喊了十次不但队员们不懂,连翻译到最后也还没懂,让大师大失所望。难为大师能体会我们中国方言之微妙!

文革逸事

在文革时期,演奏西洋音乐是犯忌的,能公开演奏的外国音乐无非是来自亚,非,拉,美的。幸好中国还有一两个像阿尔巴尼亚这样的欧洲“革命战友”,这给我们学音乐的人提供了宝贵的保护伞。你在练西方乐曲时,如有人问你,你就说这是阿尔巴尼亚革命歌曲,万事大吉。

离谱的是,有一次我在某电台音乐节目里听到拉赫玛尼诺夫的第二钢琴协奏曲,而在乐曲介绍时,解说员说这部作品是作曲家表现大跃进的热火朝天的气氛,还说引子部分的几个苍凉的和弦是为资本主义敲的丧钟。当时本人听得哑口无言,更是在心里暗暗的骂,这些写乐评的良知都喂狗了吗!现在回想起来,那些荒诞的,睁着眼说的瞎话儿莫不也是一种保护伞?所以我们在那种人性枯竭的环境下还能听到这样伟大的而充满人性的音乐。

 

读老子有感 “ 知不知,上。不知不知,病。”

我也有过轻狂的时候,那是我年轻时的无知。岁月让人沉淀糟粕,酿造智慧;你知道的越多,就越发现你不知道的太多。 所谓的谦虚不过是自知之明,知深浅但不气馁,向上。

3 Comments (+add yours?)

  1. Eve Zhang 张意
    Oct 16, 2018 @ 19:52:40

    杨老师,您是我在旧金山湾区遇上的最使我尊敬的音乐大师,您对古典音乐的造诣极为高深,和对音乐的欣赏和分享点点滴滴都是极为珍贵的!感恩有您在我们身边给我引路带进高层的音乐圣殿, 享受音乐带给我更丰富,更高境界的情怀。希望杨老师把自己对音乐的感想编辑出一本书,让许多音乐爱好者收藏。

    张意

    Reply

    • philyoungmusic
      Oct 17, 2018 @ 00:29:48

      谢谢你的欣赏!过奖了,不过非常欣慰自己能为普及古典音乐做些事。我们互通有无吧。

      Reply

  2. philyoungmusic
    Jul 02, 2012 @ 06:34:57

    杨:非常高兴,得知你很欣赏 康德拉辛 指挥的 萧斯塔科维奇 第五交响乐。有时候我自己听到了好的音乐,当时非常的激动。但是转而又感到很孤独,因为没有朋友和自己一起分享一份难得的优秀演奏。尤其是知音的音乐家。现在的录音条件好,可以将好的东西让更多的朋友一起分享,我非常得开心。听过康德拉辛指挥的老萧交响乐,才真正知道什么样的演奏才是真正的正宗的俄国当年的“老萧”。我不想去贬低任何其他人对老萧作品的解译。但是还是劝爱乐者,先听听 康德拉辛KONDRASHIN 的指挥,可能更加近距离的去了解正宗“老萧”的作品。康德拉辛也绝对功不可没!希望我们还有更多的话题来聊。因为我们都共同热爱古典音乐!

    达明

    达明:

    从LA回来一直瞎忙,这几天才静下心来听你给我的CD,今天听到了老萧第五。当音乐结束,我已经被震撼的张口结舌!老萧第五一直是我的钟爱,但这是我听到的最精彩的,音乐紧凑,一浪接一浪,高潮迭起,刚柔并列,一气呵成!演奏既有粗矿的大气有不乏精雕细刻的细节,音准音色近乎完美,强弱对比极具戏剧性但不过分。就连录音也是精彩!清晰,温暖,饱满,幅度大。太精彩了!我现在完全同意你的见解,康德拉辛无疑是老萧的最完美的诠释者,也是最伟大的指挥家之一!我会继续欣赏,太感谢你的CD啦,这是你送我的最珍贵的礼物!!

    智华

    Reply

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